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摘要：声乐的风格作为一种表现形态，就像人的风度一样，它是从音乐作品的整体中呈现出来的代表性特征。声音的风格既与歌唱家的主观表现有关，又涉及到声音作品的内容与形式的各个方面。我们在欣赏声音作品的时候，只要注意比较，就会不难发现不同的作品具有不同的精神风貌和表现特色，有的优美秀丽，有的严肃宏伟，有的幽默调皮，有的朴实而清新，有的富于抒情，而有的则趋向于哲理。
关键词：歌唱；风格；领会
中图分类号：G427文献标识码：A 文章编号：1992-7711（2013）09-046-2
声乐的风格不是美的一般因素，而是由音乐家的创作个性体现在他的作品中的独特魅力，声乐风格的形成是音乐家成熟的标志，是他成为一个真正的音乐家的代表特征。因此，不是任何音乐创作都可以形成自己的风格。这正如日本音乐美学家野村良雄所说的：“风格，是指艺术作品因内在的必然性从头至尾表现出来的一种特征。风格决不是纯形式上的东西。它是在人种、国别、宗教等因素之下，由特定的生活环境中的人所表现出来的。风格可以说是形式与内容的一种综合。而且，它完全不是个别的、偶然的，而是在一定程度上还具有普遍的、一般的性质。”
声乐的风格作为一种表现形态，就像人的风度一样，它是从音乐作品的整体中呈现出来的代表性特征。声音的风格既与歌唱家的主观表现方面有关，又涉及到声音作品的内容与形式的各个方面。我们在欣赏声音作品的时候，只要注意比较，就会不难发现不同的作品具有不同的精神风貌和表现特色，有的优美秀丽，有的严肃宏伟，有的幽默调皮，有的朴实而清新，有的富于抒情，而有的则趋向于哲理。
第一，对声乐作品风格的认识和表现，我们必须要联系到作品所处的当时社会的时代特征，而后才能研究。
特别是我们在演唱不同时期作品的时候，不能千篇一律地用相同的声音、相同的方法、相同的表现手法、相同的情感来演唱。我们必须要研究不同时代作曲家作品的差异。每个时代的音乐也常常具有一些相似之处，形成音乐的时代特征。在西方音乐史上，每个历史时期的经典音乐都有自己的独特风貌，音乐的风格反映出当代的音乐审美倾向。譬如说，八世纪左右以格利戈里为代表的罗马式的风格，表现出那个时代的特征：安详、宏伟中具有神灵性，单纯、肃穆中又有深厚感情，这是罗马式音乐与基督教结合的产物。十七世纪中期的音乐被人们称为巴洛克音乐，它有别于文艺复兴时期庄严、明净、均衡和谐的风格，体现为一种崇尚音响的运动性、情感性，富于装饰、充满活力的风格，反映出新旧交替的社会动荡中音乐家冲破藩篱去追求艺术。欧洲的演唱方法和形式极其讲究，要有极高的演唱技巧，也可以称之为美声的基础，但是它的发声方法同现在的比较，就不可以同日而语了。当时的贵族为了追求更高的美感和其他诸多方面的原因，他们使用的歌手多数为阉人，其演唱风格力求纯净，但是实际上他们的声音无论是在心理上还是在生理上都发生了基本的改变，因此在演唱古典时期的作品的时候，大部分作品的力度不能太大，强弱对比的幅度不可能像浪漫主义时期那样的激烈。好比同是一首《我爱你》，贝多芬和格里格就有很大的不同，显然后者要比前者更加热烈、冲动。
在中国也是如此，不同的社会时代，音乐的时代风格必然不同。譬如，在上世纪三四十年代的创作的歌曲，一般都是反映这个时代特点的歌曲，题材一般是关于民族兴亡的故事，描写民族英雄可歌可泣的事迹以及最后新中国胜利的题材。如《在松花江上》，这是一首表现离乡之思、积极抗日救亡、国难之痛的悲歌。歌词中的“我”的遭遇实际就是全体东北人民的遭遇，因而足以使每个中国人为之动容。该曲是带尾声的二部曲式结构，旋律以环回萦绕、反复吟唱的方式引申展开，悲愤情绪积聚在歌曲的尾声，从而形成爆发性的高潮。我们在演唱这首歌的时候，就要抓住它的特定的风格去演唱，要带着痛苦的、忧伤的和悲愤的情感去表演，这样才能表现这首歌曲的风格。否则的话，演唱出来的歌曲就显得很干燥、贫乏和失去了原本的内涵，也就是没有抓住作品的风格。再比如，到了上世纪后期所创作的歌曲，一般都是歌颂这个时期的国家政策好的、改革开放的成就的歌曲。如《春天的故事》，这是一首比较抒情和赞颂的歌曲，我们在演唱时很显然要抓住它的时代背景，抓住它的风格，豪情澎湃的演唱。与《在松花江上》的风格迥然不同，两者放在一起比较，就一目了然了。所以准确掌握作品的时代风格是歌唱的前提保证。
第二，不同时代的作曲家创作风格是必然不同的。
那么，处于同一时代的作曲家的风格也不尽相同。因为他们所处的环境不同、文化背景不同、社会状况不同，所受到的教育也因各个方面的原因而达不到一致。譬如，同是在浪漫主义时代，肖邦作品的忧郁，门得尔松的流畅清新，布拉姆斯的稳重厚实，李斯特的磅礴激情，舒曼则严密细致。
例如，巴赫与亨得尔是同时代的音乐家，但是他们的个人风格是不容混淆的，各有各的创作个性。巴赫最有特色的音乐《前奏曲与赋格》，正如日本音乐美学家野村良雄所说：“是由逻辑性、建筑性、构成性、完整性、统一性和对称性取得均衡的。在他的作品里所有的要素都具有整体意义，不管是其中的哪一部分都是不允许更动的。这种情况是在亨得尔等人的作品中所见不到的。因此，巴赫风格就常常被称作是哥特式的风格。这是由于哥特式是复杂的骨架建筑，它表现的是北方的神秘精神。而巴赫的音乐是曲线条对位法构成的，所表现的同样也是北方式的精神与宗教性格。”可见，巴赫的音乐风格是从独特的表现形式中显示出来的宗教精神，是独特的内容和形式的结合。而亨得尔比较有光彩的音乐是他的清唱剧，他感兴趣的题材是关于一个民族兴亡的故事，即史诗作品。他在这类故事中，描写某个民族被奴役和争取解放的斗争，描写民族英雄可歌可泣的事迹以及最后胜利的故事。他以规模庞大、气势宏伟的音乐造型特点，来表现他惯用的题材。如英雄性的咏叹调——男声独唱雄壮的旋律，再加上技巧性的华彩；以赋格和其他复调手法为主的恢弘的大合唱等等，内容与形式共同构成的总体面貌显示出他的音乐风格。 第三，我们在演唱声乐作品的时候，要准确地表现歌曲的民族风格，这是在歌唱中比较重要的方面，忽视了这一点是万万不行的。
在中外音乐史上，我们可以发现，每个民族的音乐都是具有某些共同特征的。每位音乐家的个人风格都会打上时代和民族的烙印。因此，各民族经过长期积累，沉淀下来的风格各不相同：法国是浪漫的、典雅的象征，德国是严谨的、理智的代表，意大利和西班牙则拥有火样的热情和豪放，俄罗斯讲究宏伟壮丽的气魄。我们往往会忽视这些，对任何歌曲都是一样的处理，一样的声音，一样的力度，一样的技巧去表演，缺少深刻的体验，捕捉不到歌曲本质的东西。因此，也无法与观众产生听觉上的共鸣。如歌曲《我的太阳》是意大利歌曲，我们就应该用火样的热情去演唱和表演，心情激动愉快，意气勃发，整个人的身心一定要融入歌曲的意境当中，去体验那灿烂的阳光。这样才能让观众有美的感觉。
音乐风格的民族特色则表现出不同民族的审美特点和审美习惯，这是由各民族的地理环境、社会状况、文化传统、风俗习惯等多种因素造成的。例如世界各民族音乐受水系、山脉、地形、气候的影响形成各自独特的音乐风格。比如说，居住在草原、山地、平原和海边，他们的生活肯定是不同的，他们的音乐表现也必然有区别，音乐风格也有一定的区别，特别是在音乐的节奏上各有独特的表现。有人甚至认为因气候条件造成的地区差异都会影响到音阶的运用。例如，蒙古的长调多用五声音阶，曲调高亢、辽阔，节奏悠长、徐缓、自由，具有浓厚的草原生活气息；而江南水乡的小调，曲调婉柔、曲折，节奏规整。地域对音乐的影响十分明显。当然，音乐的民族特性更离不开民族的文化心理结构。民族心理结构是由多种因素造成的，除了种族因素，还有社会条件的因素和文化基础的因素，其中文化基础因素更加重要。它表现为民族文化传统、宗教信仰和审美崇尚。日本音乐美学家野村良雄分析俄罗斯音乐的民族性时指出：“俄罗斯音乐作为斯拉夫体系的音乐来说，最具特色，是不言而喻的。俄罗斯民歌在自然的、神秘的、热情的旋律中密切地结合着拜占庭式的东方教会传统，并加进了土耳其式的东方因素。其中还引进了德国古典派与浪漫派的音乐。从这些多样化的源泉中，出现了柴可夫斯基、穆索尔斯基与斯克亚宾等天才人物。他们正充满着粗旷的活力。同时，在广阔性与深刻性方面也有值得注意的东西。”
第四，有了前三方面的对各种风格差异的了解，我们还需要对良好的演唱风格进行研究。
用什么样的声音和情感才能表现出声乐作品的基本要求呢？这是建立在良好的歌唱发声状态的基础之上的。如何根据声乐作品的需要，去进行某些调整和处理是很重要的。譬如说，第一要在歌词的咬字、歌词的情感等方面去处理歌曲。第二从声乐表演来看，声乐的艺术魅力与美感效果绝不是仅凭优美的歌喉与清晰的咬字、吐字的完美结合以及声乐语调造型的艺术技巧处理所能展示的，同时还要承担以情感来感染听众的情感创造任务。我们要做到的是，既不影响声音的质量，又能准确地表现声乐作品的风格，这一点是至关重要的。除了要掌握表现时代、作者作品的恰当风格等大的方面外，我们还要注意个人演唱的风格也是各有不同的。经常有演唱同样作品的学生，就有着比较明显的区别。比如说，有的人把演绎歌曲当作是一个任务去完成，一个劲的去追求声音的浑厚，而忘记了自己所演唱歌曲自身的风格等其他重要的方面。也正是由于这些演唱习惯的差别，我们才会有对声乐作品的不同的理解和表现，才会有了差异。良好的演唱风格的掌握要进行长时间的艺术实践，不断地进行研究、探索、总结并确立自己的歌唱习惯和方法，自如地运用自己的声音去表现作品原本的内涵和风格。
第五，我们要对某个声乐作品进行有目的的学习和研究。
随着精神文明的进一步发展，听众欣赏水平和欣赏要求的提高，声乐艺术已经不仅仅局限于听觉感受了，广大欣赏者的要求是视听感受的统一，而声乐演唱者在以声带抒发情感的同时，形体表演也成了声乐情感的一个分支。比如，在歌剧《江姐》中的《绣红旗》一曲是江姐和几个姐妹同志在监狱中绣红旗时所唱的，她们的动作是兴奋的虔诚的，每一针每一线都包含着对新中国的向往和坚信；她们的动作又是细致沉着的，密密的针线同时表现了革命者视死如归的精神。此情此景，难道不催人泪下吗？一个简单的动作却对体现更高精神境界起到了深刻的作用。由此可见，形体表演对情感表现是有一定支持意义的。因此，我们在演唱声乐作品的同时，既要动嘴动脑，又要具备一定的肢体语言。
第六，在把握声乐作品风格的同时也离不开个人演唱风格的培养和对人生道路、生活环境、阅历修养和艺术的追求。
其中，最主要的还是个人演唱风格的培养，也就是个人独特的表现技巧。个人演唱风格的形成并不是天生就具备歌唱的生理条件，它是个人在今后的演唱技法、审美能力、情感深度等方面的结合体。譬如，帕瓦罗蒂歌声的嘹亮，流畅大方；多明戈的浑厚，富于感染力。然而，我们不能一味地去模仿大师和优秀的歌唱家们，而是应该从多角度地去吸取其精华，形成自己的演唱声乐作品的风格，也便于个人以后能更好地去处理作品和演绎作品，这样的演唱才能具有常青的生命力！
综上所述，关于声乐作品风格上的把握，演唱者从理论和行为上应该注意到以上几点。进一步讲应该是，当声乐作品被演唱时，通过演唱者的表现，才能直接感受到某种心领神会的感应，而这种领会是建立在对作品的理解基础之上的，是共识的，而不是随心所欲的。演唱者只有在了解了声乐作品后，再加上良好的歌唱技巧和肢体语言，才能恰如其分地表现作品本身应该体现的风格，与听者互相沟通，产生共鸣。
[参考文献]
[1]野村良雄.音乐美学.中国教育成果汇编.人民出版社，1991.
关键词：歌唱；风格；领会
中图分类号：G427文献标识码：A 文章编号：1992-7711（2013）09-046-2
声乐的风格不是美的一般因素，而是由音乐家的创作个性体现在他的作品中的独特魅力，声乐风格的形成是音乐家成熟的标志，是他成为一个真正的音乐家的代表特征。因此，不是任何音乐创作都可以形成自己的风格。这正如日本音乐美学家野村良雄所说的：“风格，是指艺术作品因内在的必然性从头至尾表现出来的一种特征。风格决不是纯形式上的东西。它是在人种、国别、宗教等因素之下，由特定的生活环境中的人所表现出来的。风格可以说是形式与内容的一种综合。而且，它完全不是个别的、偶然的，而是在一定程度上还具有普遍的、一般的性质。”
声乐的风格作为一种表现形态，就像人的风度一样，它是从音乐作品的整体中呈现出来的代表性特征。声音的风格既与歌唱家的主观表现方面有关，又涉及到声音作品的内容与形式的各个方面。我们在欣赏声音作品的时候，只要注意比较，就会不难发现不同的作品具有不同的精神风貌和表现特色，有的优美秀丽，有的严肃宏伟，有的幽默调皮，有的朴实而清新，有的富于抒情，而有的则趋向于哲理。
第一，对声乐作品风格的认识和表现，我们必须要联系到作品所处的当时社会的时代特征，而后才能研究。
特别是我们在演唱不同时期作品的时候，不能千篇一律地用相同的声音、相同的方法、相同的表现手法、相同的情感来演唱。我们必须要研究不同时代作曲家作品的差异。每个时代的音乐也常常具有一些相似之处，形成音乐的时代特征。在西方音乐史上，每个历史时期的经典音乐都有自己的独特风貌，音乐的风格反映出当代的音乐审美倾向。譬如说，八世纪左右以格利戈里为代表的罗马式的风格，表现出那个时代的特征：安详、宏伟中具有神灵性，单纯、肃穆中又有深厚感情，这是罗马式音乐与基督教结合的产物。十七世纪中期的音乐被人们称为巴洛克音乐，它有别于文艺复兴时期庄严、明净、均衡和谐的风格，体现为一种崇尚音响的运动性、情感性，富于装饰、充满活力的风格，反映出新旧交替的社会动荡中音乐家冲破藩篱去追求艺术。欧洲的演唱方法和形式极其讲究，要有极高的演唱技巧，也可以称之为美声的基础，但是它的发声方法同现在的比较，就不可以同日而语了。当时的贵族为了追求更高的美感和其他诸多方面的原因，他们使用的歌手多数为阉人，其演唱风格力求纯净，但是实际上他们的声音无论是在心理上还是在生理上都发生了基本的改变，因此在演唱古典时期的作品的时候，大部分作品的力度不能太大，强弱对比的幅度不可能像浪漫主义时期那样的激烈。好比同是一首《我爱你》，贝多芬和格里格就有很大的不同，显然后者要比前者更加热烈、冲动。
在中国也是如此，不同的社会时代，音乐的时代风格必然不同。譬如，在上世纪三四十年代的创作的歌曲，一般都是反映这个时代特点的歌曲，题材一般是关于民族兴亡的故事，描写民族英雄可歌可泣的事迹以及最后新中国胜利的题材。如《在松花江上》，这是一首表现离乡之思、积极抗日救亡、国难之痛的悲歌。歌词中的“我”的遭遇实际就是全体东北人民的遭遇，因而足以使每个中国人为之动容。该曲是带尾声的二部曲式结构，旋律以环回萦绕、反复吟唱的方式引申展开，悲愤情绪积聚在歌曲的尾声，从而形成爆发性的高潮。我们在演唱这首歌的时候，就要抓住它的特定的风格去演唱，要带着痛苦的、忧伤的和悲愤的情感去表演，这样才能表现这首歌曲的风格。否则的话，演唱出来的歌曲就显得很干燥、贫乏和失去了原本的内涵，也就是没有抓住作品的风格。再比如，到了上世纪后期所创作的歌曲，一般都是歌颂这个时期的国家政策好的、改革开放的成就的歌曲。如《春天的故事》，这是一首比较抒情和赞颂的歌曲，我们在演唱时很显然要抓住它的时代背景，抓住它的风格，豪情澎湃的演唱。与《在松花江上》的风格迥然不同，两者放在一起比较，就一目了然了。所以准确掌握作品的时代风格是歌唱的前提保证。
第二，不同时代的作曲家创作风格是必然不同的。
那么，处于同一时代的作曲家的风格也不尽相同。因为他们所处的环境不同、文化背景不同、社会状况不同，所受到的教育也因各个方面的原因而达不到一致。譬如，同是在浪漫主义时代，肖邦作品的忧郁，门得尔松的流畅清新，布拉姆斯的稳重厚实，李斯特的磅礴激情，舒曼则严密细致。
例如，巴赫与亨得尔是同时代的音乐家，但是他们的个人风格是不容混淆的，各有各的创作个性。巴赫最有特色的音乐《前奏曲与赋格》，正如日本音乐美学家野村良雄所说：“是由逻辑性、建筑性、构成性、完整性、统一性和对称性取得均衡的。在他的作品里所有的要素都具有整体意义，不管是其中的哪一部分都是不允许更动的。这种情况是在亨得尔等人的作品中所见不到的。因此，巴赫风格就常常被称作是哥特式的风格。这是由于哥特式是复杂的骨架建筑，它表现的是北方的神秘精神。而巴赫的音乐是曲线条对位法构成的，所表现的同样也是北方式的精神与宗教性格。”可见，巴赫的音乐风格是从独特的表现形式中显示出来的宗教精神，是独特的内容和形式的结合。而亨得尔比较有光彩的音乐是他的清唱剧，他感兴趣的题材是关于一个民族兴亡的故事，即史诗作品。他在这类故事中，描写某个民族被奴役和争取解放的斗争，描写民族英雄可歌可泣的事迹以及最后胜利的故事。他以规模庞大、气势宏伟的音乐造型特点，来表现他惯用的题材。如英雄性的咏叹调——男声独唱雄壮的旋律，再加上技巧性的华彩；以赋格和其他复调手法为主的恢弘的大合唱等等，内容与形式共同构成的总体面貌显示出他的音乐风格。 第三，我们在演唱声乐作品的时候，要准确地表现歌曲的民族风格，这是在歌唱中比较重要的方面，忽视了这一点是万万不行的。
在中外音乐史上，我们可以发现，每个民族的音乐都是具有某些共同特征的。每位音乐家的个人风格都会打上时代和民族的烙印。因此，各民族经过长期积累，沉淀下来的风格各不相同：法国是浪漫的、典雅的象征，德国是严谨的、理智的代表，意大利和西班牙则拥有火样的热情和豪放，俄罗斯讲究宏伟壮丽的气魄。我们往往会忽视这些，对任何歌曲都是一样的处理，一样的声音，一样的力度，一样的技巧去表演，缺少深刻的体验，捕捉不到歌曲本质的东西。因此，也无法与观众产生听觉上的共鸣。如歌曲《我的太阳》是意大利歌曲，我们就应该用火样的热情去演唱和表演，心情激动愉快，意气勃发，整个人的身心一定要融入歌曲的意境当中，去体验那灿烂的阳光。这样才能让观众有美的感觉。
音乐风格的民族特色则表现出不同民族的审美特点和审美习惯，这是由各民族的地理环境、社会状况、文化传统、风俗习惯等多种因素造成的。例如世界各民族音乐受水系、山脉、地形、气候的影响形成各自独特的音乐风格。比如说，居住在草原、山地、平原和海边，他们的生活肯定是不同的，他们的音乐表现也必然有区别，音乐风格也有一定的区别，特别是在音乐的节奏上各有独特的表现。有人甚至认为因气候条件造成的地区差异都会影响到音阶的运用。例如，蒙古的长调多用五声音阶，曲调高亢、辽阔，节奏悠长、徐缓、自由，具有浓厚的草原生活气息；而江南水乡的小调，曲调婉柔、曲折，节奏规整。地域对音乐的影响十分明显。当然，音乐的民族特性更离不开民族的文化心理结构。民族心理结构是由多种因素造成的，除了种族因素，还有社会条件的因素和文化基础的因素，其中文化基础因素更加重要。它表现为民族文化传统、宗教信仰和审美崇尚。日本音乐美学家野村良雄分析俄罗斯音乐的民族性时指出：“俄罗斯音乐作为斯拉夫体系的音乐来说，最具特色，是不言而喻的。俄罗斯民歌在自然的、神秘的、热情的旋律中密切地结合着拜占庭式的东方教会传统，并加进了土耳其式的东方因素。其中还引进了德国古典派与浪漫派的音乐。从这些多样化的源泉中，出现了柴可夫斯基、穆索尔斯基与斯克亚宾等天才人物。他们正充满着粗旷的活力。同时，在广阔性与深刻性方面也有值得注意的东西。”
第四，有了前三方面的对各种风格差异的了解，我们还需要对良好的演唱风格进行研究。
用什么样的声音和情感才能表现出声乐作品的基本要求呢？这是建立在良好的歌唱发声状态的基础之上的。如何根据声乐作品的需要，去进行某些调整和处理是很重要的。譬如说，第一要在歌词的咬字、歌词的情感等方面去处理歌曲。第二从声乐表演来看，声乐的艺术魅力与美感效果绝不是仅凭优美的歌喉与清晰的咬字、吐字的完美结合以及声乐语调造型的艺术技巧处理所能展示的，同时还要承担以情感来感染听众的情感创造任务。我们要做到的是，既不影响声音的质量，又能准确地表现声乐作品的风格，这一点是至关重要的。除了要掌握表现时代、作者作品的恰当风格等大的方面外，我们还要注意个人演唱的风格也是各有不同的。经常有演唱同样作品的学生，就有着比较明显的区别。比如说，有的人把演绎歌曲当作是一个任务去完成，一个劲的去追求声音的浑厚，而忘记了自己所演唱歌曲自身的风格等其他重要的方面。也正是由于这些演唱习惯的差别，我们才会有对声乐作品的不同的理解和表现，才会有了差异。良好的演唱风格的掌握要进行长时间的艺术实践，不断地进行研究、探索、总结并确立自己的歌唱习惯和方法，自如地运用自己的声音去表现作品原本的内涵和风格。
第五，我们要对某个声乐作品进行有目的的学习和研究。
随着精神文明的进一步发展，听众欣赏水平和欣赏要求的提高，声乐艺术已经不仅仅局限于听觉感受了，广大欣赏者的要求是视听感受的统一，而声乐演唱者在以声带抒发情感的同时，形体表演也成了声乐情感的一个分支。比如，在歌剧《江姐》中的《绣红旗》一曲是江姐和几个姐妹同志在监狱中绣红旗时所唱的，她们的动作是兴奋的虔诚的，每一针每一线都包含着对新中国的向往和坚信；她们的动作又是细致沉着的，密密的针线同时表现了革命者视死如归的精神。此情此景，难道不催人泪下吗？一个简单的动作却对体现更高精神境界起到了深刻的作用。由此可见，形体表演对情感表现是有一定支持意义的。因此，我们在演唱声乐作品的同时，既要动嘴动脑，又要具备一定的肢体语言。
第六，在把握声乐作品风格的同时也离不开个人演唱风格的培养和对人生道路、生活环境、阅历修养和艺术的追求。
其中，最主要的还是个人演唱风格的培养，也就是个人独特的表现技巧。个人演唱风格的形成并不是天生就具备歌唱的生理条件，它是个人在今后的演唱技法、审美能力、情感深度等方面的结合体。譬如，帕瓦罗蒂歌声的嘹亮，流畅大方；多明戈的浑厚，富于感染力。然而，我们不能一味地去模仿大师和优秀的歌唱家们，而是应该从多角度地去吸取其精华，形成自己的演唱声乐作品的风格，也便于个人以后能更好地去处理作品和演绎作品，这样的演唱才能具有常青的生命力！
综上所述，关于声乐作品风格上的把握，演唱者从理论和行为上应该注意到以上几点。进一步讲应该是，当声乐作品被演唱时，通过演唱者的表现，才能直接感受到某种心领神会的感应，而这种领会是建立在对作品的理解基础之上的，是共识的，而不是随心所欲的。演唱者只有在了解了声乐作品后，再加上良好的歌唱技巧和肢体语言，才能恰如其分地表现作品本身应该体现的风格，与听者互相沟通，产生共鸣。
[参考文献]
[1]野村良雄.音乐美学.中国教育成果汇编.人民出版社，1991.