【编者按】高速翻新的数字技术，让我们忙于在数码器材中不断更迭，而仍然有一些摄影师却坚持着复古的潮流，用大画幅相机表现他们心中的世界。艺术家依长洪的作品让我们看到，大画幅相机强烈的个性只有在高超的“骑手”驾驭下才能淋漓尽致地体现。
　　
　　Q_在数字时代，依旧钟情于大画幅，是因为它的“大”能给你带来成就感或者荣耀感吗？
　　其实每个人的选择都源于他曾经的视觉体验。平时工作我也经常用数码相机，之所以钟情于大画幅，是因为曾经看到过亚当斯和韦斯顿的原作，那种震撼在心中挥之不掉。从那时起我就知道自己必须亲自来实践它了。
　　大画幅并不代表着一味地追求“大”就是好，也不能简单理解成底片面积的增加，比如8×10叶片的面积是35mm胶片的50倍等等。它是一种全新的视觉体验、一种全新的透视空间。蒙上黑布，更有种与世俗隔绝之感。当然，大画幅带来无与伦比画质的同时也带来各种不便，但恰恰是这种不便让我“慢”下来，去欣赏、去品味那些生命过程中最本真的东西。
　　能够熟练地驾驭、能够为其所用，任何画幅的相机都是好的。
　　
　　Q_在这组看似自然风光的作品中，如果仔细观察，会发现许多微小的“人”的因素，这种观察带来的惊奇，就是大画幅的魅力所在吗？
　　对，通过风光中隐藏的细节、通过画面中各种元素间关系的对比来阐释人类与自然之间的关系，这就是大画幅的魅力。人类如何敬畏自然、与之和谐共生是目前最值得深思的全球性话题，而这样的表达方式是我几年来一直在尝试的。画面传递出的信息已不是简单的“漂亮”了，而是在用全新的视角审视人类，就像是人类看蚂蚁造穴与搬家一样。这样的片子需要放大到足够的尺寸，才能更淋漓尽致地展现出它的震撼。
　　Q_请谈谈你对摄影中“漂亮”的理解？
　　2006年到德国进行学术交流与访问期间，我有幸欣赏到杜塞尔多夫学派的古斯基、托马斯·斯特鲁司等大师的原作及制作过程。我发现他们的画面不一定都是唯美的、漂亮的，但不论从制作上还是工艺上都是极其精致、绝对震撼的，内容表达更是拥有学术般严谨又极具个性化的。艺术以作品的形式呈现时，技术上就应当很精到，达到一个全新的高度，并将自己的见解融入到作品中。我始终认为好的作品内容和形式都很重要。
　　
　　Q_请结合大画幅的特性，谈谈在拍摄这组作品时体现出来的优势？
　　大画幅首先是底片“大”，放大倍率低即可得到清晰的大尺寸影像，细节表现无与伦比。
　　大画幅镜头平面和焦平面可以移轴、摇摆，通过后组部分（胶片平面）以及前组部分（镜头平面）的俯仰即可调整景深、透视关系，比如可使高山看起来很高、很陡，峡谷看起来很深、很峭……
　　
　　Q_大画幅相机和优秀的作品之间有必然的联系吗？怎样才能把大画幅的品质和特征表现出来？
　　好的艺术家首先要是一个好工匠。突发的灵感代替不了长期的艰苦训练与实践。我每年消耗的底片超过几千张，如果技术不到位，会造成巨大的浪费。在使用大画幅之前，我用了整整三年的时间看书，全部是控制影像的技术理论书籍。
　　当然也有人会问影调有何意义？你想表达什么？我想说：一幅好作品自己会说话，不必用语言来描述。曾经有一位艺评家到艺术大师赵无极家采访，当他看到客厅的一幅巨幅抽象泼墨画时问：“赵先生，您这幅画想表达什么？”赵无极回答说：“我要是能用语言表达出来，就不画了……”