论文部分内容阅读
摘要：“出于对时间这个概念的反感，许多形而上学家宣称时间是不真实的，只是一种幻觉。”理查德·泰勒在《形而上学》一书 “空间与时间”章节中如是说。由于时间和空间概念的相似性，那么空间概念是不是也是一种幻觉呢？在不同艺术作品中，时间和空间的关系也随之变化，特别是受时间、地点等特殊环境的影响，以及创作媒介的不同，艺术作品中时间与空间的关系的界限开始变得不再那么清晰。而艺术作品中空间与时间的关系也存在多种可能性：艺术作品中空间和时间关系的幻觉;艺术作品中空间和时间关系的矛盾与统一性;艺术作品中空间位置和时间的固定性及转换性。
关键词：时间 空间 矛盾 统一性 固定性 转换性
中图分类号：J0-05 文献标识码：A 文章编号：1008-3359（2021）19-0186-03
一、艺术作品中空间和时间关系的幻觉
艺术作品中空间和时间关系的幻觉早在15世纪意大利画家在壁画创作上就有着绝佳的展现。安德烈亚·曼特尼亚（1431～1506）意大利早期文艺复兴画家，他的画作以描绘古罗马的建筑和雕像为主，题材也源于古代的历史神话和文学等。他潜心研究、学习透视学，创造性运用透视法控制整体等空间幻境。通过描绘出仰视角度的人物形象等，在其壁画《婚礼堂》中他将错觉艺术手法应用于整个房间，运用真实的建筑元素和虚构的绘画场景延伸了室内空间，呈现了壁画与真实的建筑相结合的壁画风格。这是文艺复兴时代第一个“仰角透视”的装饰性壁画。当人们观赏婚礼堂的墙壁，把目光从地上转移到屋顶时，自然而然会从屋顶的圆孔中，看到蓝色的天空。而在屋顶中间的圆孔周围，有一圈栏杆，八个小天使和一只孔雀，就靠在这个栏杆上，女人们靠在木桶旁边，面带微笑地从栏杆上往下看。尤其，当地面观者往上看的同时，拱顶上端的人物也正好往下看，似乎起到了一种视觉对话的效果，让观者在一个密闭的空间里能感受到一丝愉悦和轻松。
在这个奇妙的透视图里，画家创造出完美建筑幻觉的一个典型例证，以透视法的绘画技巧，将画作本身和建筑物完全结合，足以达到以假乱真的效果。这座婚礼堂圆形拱顶的天花板原是密合的，但通过曼特尼亚高超的技法，加上人物仰角透视建筑物的效果，使这座拱顶宛如是个敞开的天窗，即便蓝天白云在穹顶显得有些不真实。这种不真实让人联想起美国拉斯维加斯威尼斯人酒店和中国澳门威尼斯人酒店，后者被称为复刻版。酒店的购物中心被一幅天幕覆盖，营造出蓝天云彩，配合着商场内营造出的街道运河，让游客有置身于威尼斯街道的错觉，不知道其灵感是否是来源于意大利将错觉艺术手法运用纯熟的意大利壁画家们？
其次，在17世纪末，巴洛克全盛时期的画家乔凡尼·巴提斯塔·高里的天顶壁画《耶稣之名的胜利》模糊了绘画、雕塑与石膏的界限，创造出一个多重维度的空间。就空间维度和视觉感受而言，不禁让人联想起超现实主义绘画作品。壁画的内容则围绕宗教题材，圣光从正中的“耶稣之名（IHS）”散发而出，普照在周围祈祷着的圣人与资助人身上，构图巧妙地将耶稣的形象置于视觉中心位置，在教堂顶部精致唯美华丽的洛可可样式的雕塑以及石膏烘托之下，视觉色彩冲击强烈：石膏的洁白无暇，教堂建筑内饰灰黑色庄重沉稳，金色浮雕装饰的金碧辉煌。而壁画中刻画写实风格的人与神则体现出一种气势恢弘、热烈奔放的气氛，给人以梦幻的感觉，似乎有浪漫主义风格的气息弥漫开来。这种视觉错觉通过绘画的写实性模糊了真实建筑跟平面绘画的边际。
二、艺术作品中空间和时间关系的矛盾与统一性
艺术作品中最能体现出空间和时间关系的矛盾性与统一性非超现实主义艺术家们莫属了，在他们的画笔下完美演绎了艺术作品中时间和空间关系的矛盾与统一并存。
超现实主义是追求梦与现实的统一，并且是以人类为对象作为表现的范围，形成了超现实主义画派， 作品主要描写潜意识领域的矛盾现象，把生与死、过去与未来、真实与幻觉统一起来，具有离奇、怪诞的特点。形而上画派认为，哲学的确与该画派的诞生息息相关，只是与未来主义和超现实主义不同，形而上画派并没有纲领性的宣言，也未产生广泛的团体活动，其创始人为乔治·德·基里科。基里科的构图复杂抽象，多描绘古典雕塑与开阔广场，投光强烈鲜明，色调更为低沉有力。不可否认的是，基里科在某种程度上点燃了超现实的火种：一方面他表现出哲学化思想的超现实画面，即鲜明的图式语言;另一方面是被哲学化的思想，即作品蕴涵的内在力量。基里柯的作品如谜团一样的空间感，荒诞怪异的场景及人物形象设置，在他的画作中通常有着与时间相关的元素：蓝天白云的晴空万里或者阴沉的黄昏等;画面通常有着人物比例极其夸张的形象与象征着空间关系的透视准确的建筑，以及突兀离奇的光影，影子在基里科的画作中反复出现且和影子主体往往分离，不知道影子除了象征光影的时间性是否还有其它暗示或者隐喻？是否与梦境有关？还是幻觉？
勒内·玛格丽特作为比利时超现实主义画家的代表，他的创作受到基里科作品启发， 他的作品通常赋予日常生活中的物品不同的形态及寓意，通过系列夸张的处理方式将看似毫无关联的元素组合在一起，作品中错幻视觉及想象力，真实描绘了日常生活中的场景，并未作出变形扭曲等处理，但作品往往给人带来荒诞幽默的感觉，也能给人带来无限的遐想。他的创作中通常采用将近景与远景透过剪纸般手法结合在一起，他习惯在同一个场景，稍微改变一些细节，从而创作多张同内容的画，体现原始与梦幻、生与死、荒诞和讽刺等超越多种意识的体验。在他的作品中同样也能发现许多和时间相关的元素：蓝天、白云、黑夜、月亮、星辰等。作品中的空间无一例外选择了自然为主题，比如大海、丛林等。在他的作品中关于时间与空间总是矛盾对立的，白天与黑夜并存;室内空间与室外界限模糊; 人物的形象简洁而比例占据画面中心，相对应的房屋树林却又如此渺小;一只巨大的挥着翅膀的和平鸽剪影般掠过海平面，那对展翅高飞的翅膀似乎要延伸至画面以外，藝术家精心设计的艺术错觉，究竟要把我们带向何方呢？作品中那些白天与黑夜的时间矛盾性，以及比例夸张的主体物等融入到一张平面化的作品中，完美阐释了空间与时间矛盾与统一性并存的艺术世界。玛格丽特极具想象力却富有哲理的作品，给图形视觉语言带来了新的启发与思考，同时也对现当代艺术影响巨大。 三、艺术作品中空间位置和时间的固定性
詹姆斯·特瑞尔1943年5月6日出生在洛杉矶，父亲是一名航空工程师，母亲是一名医生。他于1965年在波莫纳大学学习期间接触了数学、地理学和天文学，毕业之后进入加州大学学习艺术。
詹姆斯·特瑞尔 是20世纪60年代和70年代“南加州光和空间运动”的核心成员之一。从20世纪60年代开始，他已经开始尝试一种创新的非传统装置，创作对光学的感知雕塑以及“实体化自然光”，以引起观众沉思，造出令人叹为观止的艺术体验。在加州大学学习艺术期间，他从特纳、罗斯科等绘画大师作品中获得灵感。他认为： “光，不用像混凝土或钢铁等物理材料，空间可以被重塑。”在《Skyspaces》系列作品中，特瑞爾把天空放进了画框，取名为“The Color Inside”，位于奥斯汀的得克萨斯州大学 The University of Texas校园内，隐匿在一栋学生活动中心的屋顶上。而特瑞尔在金泽21美术馆里的《Skyspaces》更重视突出自然的光线本身。20世纪60年代，特瑞尔开始只研究光。他的装置作品只涉及居住在空间中的彩色光，在他的另一个早期装置作品中，特瑞尔使用高强度投影仪在房间的角落投射出一束光线，并产生了具有三维图形错觉的几何形状。与特瑞尔抽象的浅空间装置作品相比，他的隧道装置作品包含了更强的建筑背景。精确的框架线与漫射的蓝光形成对比，让观者体验与天空的边界和元素玩耍的超越性通道。在以自然光为基础的罗登陨石坑项目中，光艺术家转向了使用电灯的大型建筑装置。在这些作品中，他也有机会融入和规划动态色彩变化。在艺术学校时，特瑞尔被马克·罗斯科的抽象绘画所吸引，尤其是被具有原始性的色彩所吸引，他对鲜艳的色彩产生了兴趣。例如，沃尔夫斯堡的布里吉特中阴的装置就像是通往天堂的精神通道。沿着长长的坡道走下去，所有建筑的边缘都消失了，形成了均匀的光场，光本身正在成为一种启示。蓝色和品红阴影缓慢过渡将观众包围在强大的光天文台。纽约古根海姆博物馆的圆形大厅展出另一个大型室内装置“Aten Reign”项目，将把人们的注意力从建筑环境转移到室内的光空间。圆形大厅只能从下面观看，而不是作为一个开放的空间，以强调天空的视角。
四、艺术作品中空间位置和时间的转换性
美国艺术家理查德·塞拉在过去四十多年中创作了一些极富挑战并具有开创性的雕塑作品，他使用工业化的材料进行创作，并把雕塑艺术带入一个材料化的新领域。他同时着手于研究关于意识形态空间的区位特性，他强调区位特性不仅只是物理性还具有意识形态的空间特性。《倾斜的弧形》Tilted Arc（1981）作为他最具标志性和争议的一件作品，在历经长时间的法庭辩解后于1989年被迫从纽约联盟广场移除。
塞拉以创作大型抽象钢铁雕塑而闻名，回避了艺术作为隐喻或象征的概念，而是提出了雕塑作为重量、引力、空间、过程和时间的现象学体验的观念。他的雕塑作品通过其纯粹的规模和物质性，唤起了一种崇高的感觉。这种崇高感，某种意义上联想起特瑞尔抽象的灯光装置作品。塞拉很早就接触到了金属加工工艺，他的父亲是造船业的管道工。塞拉在大学期间在钢厂工作，这段与金属材料打交道的经历对他的艺术创作有着极大的影响，直到1970年，他开始为特定地点设计大型的钢材和弯曲板雕塑。对他来说，作品的内容来源于与观众的互动。位于塔卡尔沙漠的这组令人惊叹的雕塑位于布鲁克自然保护区，跨度超过1公里，由4块钢板组成，每一块都超过14米高。为了保证完美的排列，塞拉检查了土地的地形，美丽地增强了沙漠中心的广阔而荒凉的空间。作品在似乎无边际的沙漠里呈现出来的效果是壮观的、极具现代感仪式感的，意味着永恒。作为20世纪前卫艺术的先驱之一，卡兹米尔·马列维奇提出：“艺术应该从物质世界的沉重负担中解放出来。”他的至上主义作品暗示了通过艺术可以获得但超出人类经验的和谐。马列维奇的精确性和革命性的理想主义是20世纪60年代许多艺术家的重要试金石，而他的作品与理查德·塞拉的作品进行对话与马列维奇的超验抽象相比，塞拉的旅行锤体现了一种强有力的物质存在感。重钢板是平衡的、不固定的、比例精准的和泰然自若的，他们结合了古典的简单与强大的能量感和紧张感。
五、结语
在艺术作品中，时间与空间的关系存在着多种可能性，幻觉、矛盾与统一性、固定与转换性等。通过解读艺术史中不同时期运用不同创作媒介创作的艺术家，如，15世纪文艺复兴时期的壁画家安德烈亚·曼特尼亚;17世纪末巴洛克时期的乔凡尼·巴提斯塔·高里;近代超现实主义画家乔治·德·基里科以及勒内·玛格丽特;当代艺术家詹姆斯·特瑞尔、理查德·塞拉等艺术家的作品，会发现在他们各自的作品中完美阐释了关于时间与空间关系的探索。理查德·塞拉说： “我不认为有绝对理想化的空间，我认为每一个场所有它自身的意识形态结构和寓意。”笔者也认为，没有一个绝对理想化的时间与空间关系存在，也不会有一个永恒的时间与空间存在，至于其它可能性，好在我们可以通过文字和艺术作品不断探索下去。
参考文献：
[1][美]H.W詹森，J.E 戴维斯等著.詹森艺术史[M].艺术史组合翻译实验小组译，长沙：湖南美术出版社，2020.
[2][美]费雷德，S.克莱纳著.加德纳艺术通史[M].李健群等译，长沙：湖南美术出版社，2019.
关键词：时间 空间 矛盾 统一性 固定性 转换性
中图分类号：J0-05 文献标识码：A 文章编号：1008-3359（2021）19-0186-03
一、艺术作品中空间和时间关系的幻觉
艺术作品中空间和时间关系的幻觉早在15世纪意大利画家在壁画创作上就有着绝佳的展现。安德烈亚·曼特尼亚（1431～1506）意大利早期文艺复兴画家，他的画作以描绘古罗马的建筑和雕像为主，题材也源于古代的历史神话和文学等。他潜心研究、学习透视学，创造性运用透视法控制整体等空间幻境。通过描绘出仰视角度的人物形象等，在其壁画《婚礼堂》中他将错觉艺术手法应用于整个房间，运用真实的建筑元素和虚构的绘画场景延伸了室内空间，呈现了壁画与真实的建筑相结合的壁画风格。这是文艺复兴时代第一个“仰角透视”的装饰性壁画。当人们观赏婚礼堂的墙壁，把目光从地上转移到屋顶时，自然而然会从屋顶的圆孔中，看到蓝色的天空。而在屋顶中间的圆孔周围，有一圈栏杆，八个小天使和一只孔雀，就靠在这个栏杆上，女人们靠在木桶旁边，面带微笑地从栏杆上往下看。尤其，当地面观者往上看的同时，拱顶上端的人物也正好往下看，似乎起到了一种视觉对话的效果，让观者在一个密闭的空间里能感受到一丝愉悦和轻松。
在这个奇妙的透视图里，画家创造出完美建筑幻觉的一个典型例证，以透视法的绘画技巧，将画作本身和建筑物完全结合，足以达到以假乱真的效果。这座婚礼堂圆形拱顶的天花板原是密合的，但通过曼特尼亚高超的技法，加上人物仰角透视建筑物的效果，使这座拱顶宛如是个敞开的天窗，即便蓝天白云在穹顶显得有些不真实。这种不真实让人联想起美国拉斯维加斯威尼斯人酒店和中国澳门威尼斯人酒店，后者被称为复刻版。酒店的购物中心被一幅天幕覆盖，营造出蓝天云彩，配合着商场内营造出的街道运河，让游客有置身于威尼斯街道的错觉，不知道其灵感是否是来源于意大利将错觉艺术手法运用纯熟的意大利壁画家们？
其次，在17世纪末，巴洛克全盛时期的画家乔凡尼·巴提斯塔·高里的天顶壁画《耶稣之名的胜利》模糊了绘画、雕塑与石膏的界限，创造出一个多重维度的空间。就空间维度和视觉感受而言，不禁让人联想起超现实主义绘画作品。壁画的内容则围绕宗教题材，圣光从正中的“耶稣之名（IHS）”散发而出，普照在周围祈祷着的圣人与资助人身上，构图巧妙地将耶稣的形象置于视觉中心位置，在教堂顶部精致唯美华丽的洛可可样式的雕塑以及石膏烘托之下，视觉色彩冲击强烈：石膏的洁白无暇，教堂建筑内饰灰黑色庄重沉稳，金色浮雕装饰的金碧辉煌。而壁画中刻画写实风格的人与神则体现出一种气势恢弘、热烈奔放的气氛，给人以梦幻的感觉，似乎有浪漫主义风格的气息弥漫开来。这种视觉错觉通过绘画的写实性模糊了真实建筑跟平面绘画的边际。
二、艺术作品中空间和时间关系的矛盾与统一性
艺术作品中最能体现出空间和时间关系的矛盾性与统一性非超现实主义艺术家们莫属了，在他们的画笔下完美演绎了艺术作品中时间和空间关系的矛盾与统一并存。
超现实主义是追求梦与现实的统一，并且是以人类为对象作为表现的范围，形成了超现实主义画派， 作品主要描写潜意识领域的矛盾现象，把生与死、过去与未来、真实与幻觉统一起来，具有离奇、怪诞的特点。形而上画派认为，哲学的确与该画派的诞生息息相关，只是与未来主义和超现实主义不同，形而上画派并没有纲领性的宣言，也未产生广泛的团体活动，其创始人为乔治·德·基里科。基里科的构图复杂抽象，多描绘古典雕塑与开阔广场，投光强烈鲜明，色调更为低沉有力。不可否认的是，基里科在某种程度上点燃了超现实的火种：一方面他表现出哲学化思想的超现实画面，即鲜明的图式语言;另一方面是被哲学化的思想，即作品蕴涵的内在力量。基里柯的作品如谜团一样的空间感，荒诞怪异的场景及人物形象设置，在他的画作中通常有着与时间相关的元素：蓝天白云的晴空万里或者阴沉的黄昏等;画面通常有着人物比例极其夸张的形象与象征着空间关系的透视准确的建筑，以及突兀离奇的光影，影子在基里科的画作中反复出现且和影子主体往往分离，不知道影子除了象征光影的时间性是否还有其它暗示或者隐喻？是否与梦境有关？还是幻觉？
勒内·玛格丽特作为比利时超现实主义画家的代表，他的创作受到基里科作品启发， 他的作品通常赋予日常生活中的物品不同的形态及寓意，通过系列夸张的处理方式将看似毫无关联的元素组合在一起，作品中错幻视觉及想象力，真实描绘了日常生活中的场景，并未作出变形扭曲等处理，但作品往往给人带来荒诞幽默的感觉，也能给人带来无限的遐想。他的创作中通常采用将近景与远景透过剪纸般手法结合在一起，他习惯在同一个场景，稍微改变一些细节，从而创作多张同内容的画，体现原始与梦幻、生与死、荒诞和讽刺等超越多种意识的体验。在他的作品中同样也能发现许多和时间相关的元素：蓝天、白云、黑夜、月亮、星辰等。作品中的空间无一例外选择了自然为主题，比如大海、丛林等。在他的作品中关于时间与空间总是矛盾对立的，白天与黑夜并存;室内空间与室外界限模糊; 人物的形象简洁而比例占据画面中心，相对应的房屋树林却又如此渺小;一只巨大的挥着翅膀的和平鸽剪影般掠过海平面，那对展翅高飞的翅膀似乎要延伸至画面以外，藝术家精心设计的艺术错觉，究竟要把我们带向何方呢？作品中那些白天与黑夜的时间矛盾性，以及比例夸张的主体物等融入到一张平面化的作品中，完美阐释了空间与时间矛盾与统一性并存的艺术世界。玛格丽特极具想象力却富有哲理的作品，给图形视觉语言带来了新的启发与思考，同时也对现当代艺术影响巨大。 三、艺术作品中空间位置和时间的固定性
詹姆斯·特瑞尔1943年5月6日出生在洛杉矶，父亲是一名航空工程师，母亲是一名医生。他于1965年在波莫纳大学学习期间接触了数学、地理学和天文学，毕业之后进入加州大学学习艺术。
詹姆斯·特瑞尔 是20世纪60年代和70年代“南加州光和空间运动”的核心成员之一。从20世纪60年代开始，他已经开始尝试一种创新的非传统装置，创作对光学的感知雕塑以及“实体化自然光”，以引起观众沉思，造出令人叹为观止的艺术体验。在加州大学学习艺术期间，他从特纳、罗斯科等绘画大师作品中获得灵感。他认为： “光，不用像混凝土或钢铁等物理材料，空间可以被重塑。”在《Skyspaces》系列作品中，特瑞爾把天空放进了画框，取名为“The Color Inside”，位于奥斯汀的得克萨斯州大学 The University of Texas校园内，隐匿在一栋学生活动中心的屋顶上。而特瑞尔在金泽21美术馆里的《Skyspaces》更重视突出自然的光线本身。20世纪60年代，特瑞尔开始只研究光。他的装置作品只涉及居住在空间中的彩色光，在他的另一个早期装置作品中，特瑞尔使用高强度投影仪在房间的角落投射出一束光线，并产生了具有三维图形错觉的几何形状。与特瑞尔抽象的浅空间装置作品相比，他的隧道装置作品包含了更强的建筑背景。精确的框架线与漫射的蓝光形成对比，让观者体验与天空的边界和元素玩耍的超越性通道。在以自然光为基础的罗登陨石坑项目中，光艺术家转向了使用电灯的大型建筑装置。在这些作品中，他也有机会融入和规划动态色彩变化。在艺术学校时，特瑞尔被马克·罗斯科的抽象绘画所吸引，尤其是被具有原始性的色彩所吸引，他对鲜艳的色彩产生了兴趣。例如，沃尔夫斯堡的布里吉特中阴的装置就像是通往天堂的精神通道。沿着长长的坡道走下去，所有建筑的边缘都消失了，形成了均匀的光场，光本身正在成为一种启示。蓝色和品红阴影缓慢过渡将观众包围在强大的光天文台。纽约古根海姆博物馆的圆形大厅展出另一个大型室内装置“Aten Reign”项目，将把人们的注意力从建筑环境转移到室内的光空间。圆形大厅只能从下面观看，而不是作为一个开放的空间，以强调天空的视角。
四、艺术作品中空间位置和时间的转换性
美国艺术家理查德·塞拉在过去四十多年中创作了一些极富挑战并具有开创性的雕塑作品，他使用工业化的材料进行创作，并把雕塑艺术带入一个材料化的新领域。他同时着手于研究关于意识形态空间的区位特性，他强调区位特性不仅只是物理性还具有意识形态的空间特性。《倾斜的弧形》Tilted Arc（1981）作为他最具标志性和争议的一件作品，在历经长时间的法庭辩解后于1989年被迫从纽约联盟广场移除。
塞拉以创作大型抽象钢铁雕塑而闻名，回避了艺术作为隐喻或象征的概念，而是提出了雕塑作为重量、引力、空间、过程和时间的现象学体验的观念。他的雕塑作品通过其纯粹的规模和物质性，唤起了一种崇高的感觉。这种崇高感，某种意义上联想起特瑞尔抽象的灯光装置作品。塞拉很早就接触到了金属加工工艺，他的父亲是造船业的管道工。塞拉在大学期间在钢厂工作，这段与金属材料打交道的经历对他的艺术创作有着极大的影响，直到1970年，他开始为特定地点设计大型的钢材和弯曲板雕塑。对他来说，作品的内容来源于与观众的互动。位于塔卡尔沙漠的这组令人惊叹的雕塑位于布鲁克自然保护区，跨度超过1公里，由4块钢板组成，每一块都超过14米高。为了保证完美的排列，塞拉检查了土地的地形，美丽地增强了沙漠中心的广阔而荒凉的空间。作品在似乎无边际的沙漠里呈现出来的效果是壮观的、极具现代感仪式感的，意味着永恒。作为20世纪前卫艺术的先驱之一，卡兹米尔·马列维奇提出：“艺术应该从物质世界的沉重负担中解放出来。”他的至上主义作品暗示了通过艺术可以获得但超出人类经验的和谐。马列维奇的精确性和革命性的理想主义是20世纪60年代许多艺术家的重要试金石，而他的作品与理查德·塞拉的作品进行对话与马列维奇的超验抽象相比，塞拉的旅行锤体现了一种强有力的物质存在感。重钢板是平衡的、不固定的、比例精准的和泰然自若的，他们结合了古典的简单与强大的能量感和紧张感。
五、结语
在艺术作品中，时间与空间的关系存在着多种可能性，幻觉、矛盾与统一性、固定与转换性等。通过解读艺术史中不同时期运用不同创作媒介创作的艺术家，如，15世纪文艺复兴时期的壁画家安德烈亚·曼特尼亚;17世纪末巴洛克时期的乔凡尼·巴提斯塔·高里;近代超现实主义画家乔治·德·基里科以及勒内·玛格丽特;当代艺术家詹姆斯·特瑞尔、理查德·塞拉等艺术家的作品，会发现在他们各自的作品中完美阐释了关于时间与空间关系的探索。理查德·塞拉说： “我不认为有绝对理想化的空间，我认为每一个场所有它自身的意识形态结构和寓意。”笔者也认为，没有一个绝对理想化的时间与空间关系存在，也不会有一个永恒的时间与空间存在，至于其它可能性，好在我们可以通过文字和艺术作品不断探索下去。
参考文献：
[1][美]H.W詹森，J.E 戴维斯等著.詹森艺术史[M].艺术史组合翻译实验小组译，长沙：湖南美术出版社，2020.
[2][美]费雷德，S.克莱纳著.加德纳艺术通史[M].李健群等译，长沙：湖南美术出版社，2019.