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摘要 “意象”是中国传统美学思想的精髓。极具悠久历史兼东方美学神韵的中国绘画艺术，受中国古代哲学思想的影响，从整体到细节都浸透了“意象性”。而色彩作为传递意象的一种方式，能带给欣赏者最强的刺激力与感受力。于是，意象色彩作为一种独特的艺术语言，已在中国绘画的造型艺术领域中占有着越来越重要的位置，因此它所具有的众多艺术价值是值得我们对其进行细致探索和研究的。
关键词：中国绘画 意象色彩 表现形式 审美价值
中图分类号：J222 文献标识码：A
引言
想要真正理解意象色彩，关键在于理解“意象”的内涵。“意象”其实最早源于《周易》中的“观物取象，立象以尽意”之说。后来各种艺术形式将其借用，并把原来“卦象”引申为具体物象。简单说来，意象，即寓“意”之“象”，寓情于景，是用来寄托主观情感的客观物象。内容上它容纳了人类对自然界的审视精神与思维方法，因而它是中国古典美学的核心概念。可以说，塑造和突显画面中的意象是中国绘画形式最本质的要求。不管中国绘画技术如何不断改善，还是人们的审美心理如何变化，中国绘画自始至终都没有偏离“意象”轨道。于是，这种绘画的意象性也就决定了中国绘画色彩的意象性。因为绘画中所蕴含的“意象”会要求艺术家们充分发挥主观的创造性，注重以情造景，将自然美转化为包涵着丰富意象美的意境，使得画面之内能够体现出画家的主观情感与个性思想。而绘画中最具情感因素的当属色彩，所以这种意象的表达主要通过画家灵活运用色彩来展现出来。例如，大自然的四季变迁以及人类的喜怒哀乐等都可以运用色彩来展露出鲜明的意象。实际上是画家的内心情感赋予了色彩鲜活的生命力，将色彩融进了万千意象之中。从中国色彩艺术的进程中来看：不论是古人岩画上单纯而古朴的色彩还是秦俑汉画用色的壮丽雄浑；不论是金碧辉煌的唐代壁画，或是简约纯朴的两宋水墨，这些用色中其实都流露着中国绘画色彩中的意象之美。所以，中国绘画中的意象色彩中所蕴藏的价值值得我们对它进行探讨研究。
一 中国绘画意象色彩的形成过程
王维说：“画道之中，水墨为上。”从王维的话中我们可以获知，其实大多数画论都在讲水与墨的关系，正所谓“谓画以水墨而成，能肇自然之性，黑为阴，白为阳：阴阳交构，自成造化之功”，而关于中国画色彩问题的论述却涉及不多。直至清代王显提出：“色不碍墨，墨不碍色；又需色中有墨，墨中有色。”这才明确指出了墨与色的关系，而在此之前，传统中国绘画主要还是以水墨为主，色彩为辅。但如果系统地谈论中国绘画色彩理论，那么必然要说起南朝齐梁肖像画家、理论家谢赫的“随类赋彩”。在《古画品录》中他提出了“气韵生动，骨法用笔，应物象形，随类赋彩，经营位置，传移模写”，后人称之为“六法论”。其中谢赫将“气韵生动”推为六法之首，充分证明了“意象”在绘画中的核心地位；而“随类赋彩”，即根据客观物象的颜色施以不同类别的色彩，基本上是“写实”，所以“六法论”对中国绘画意象性色彩影响极大。随后，隋代展子虔的《游春图》开启了中国山水画的设色方式：水为绿云为白，树草设绿，山石染储。而到了唐代，中国绘画的意象性色彩进入了新的阶段：不仅兼顾色度和色相，还关心色泽，并将色泽作为重要的思考要素。到了五代两宋，唐代灿烂至极的色彩开始让位给清新简约的水墨和白描，此时期的绘画将色彩全包含在墨色中，形成了墨分五色、用墨替色的主流特征。绘画发展至元、明、清，山水画和水墨写意花鸟画，有很大发展，采用笔墨的方法各有不同（包括皴擦点染用笔的快慢、轻重、正锋和侧锋，用墨的浓淡、干湿等），并追求个性鲜明的笔墨风格和画面的效果，寓“美的理想”于其中，推动了中国绘画意象色彩的进一步发展。
通过以上描述，我们可以得出：随着各个时代绘画技巧的不断提高以及人们审美心理的变化，传统中国绘画的色彩面貌极为丰富多彩，呈现出不同的倾向：从带有古代哲学韵味的“五色”观到有具体标准的“随类赋彩”再到更加注重细节的“墨分五色”最终形成了中国绘画中独特的意象性色彩。
二 中国绘画中意象色彩的主要表现方式
绘画中的意象可以通过很多手段表现出来，但要想用色彩来传递绘画中的万千意象，那么用色上就得要“单纯明快”“鲜明对比”以及“空白无色”。通过这三个主要手段可以更加具体地阐释中国绘画的意象性。
1 单纯明快
“单纯明快”这里是指绘画中单色相布局的特点。这种布局是将一种单色相与墨的浓淡相结合而形成的。为了在单纯中求丰富的视觉效果，中国绘画色彩的设色一般是以单色平涂为主，采用单色平涂、固有色和晕染相结合的做法。这种做法是在相对简单的色相之中穿插适当色彩对比，营造多样视觉氛围，这造就了中国绘画色彩简单却不失内容，古典而优雅的艺术风格。
在中国早期绘画中，一些非常典雅的壁画在上色时多为矿物质色，相对用色纯度较高，覆盖力较强，有些墨色甚至可以被覆盖，但依然创造出了不错的视觉效果，留给后世借鉴。实际上民间艺术也擅用高纯度的色彩来表达意象。这种色彩可以创作出鲜活明快的画面。例如，剪纸艺术，剪纸中的门笺、墙花、顶棚花、灯花等大多采用单一的红、绿、黄、蓝等鲜艳的色彩，以衬托出浓厚喜庆的节日气氛。
作为一种广受欢迎的单色，红色作为欢乐、热情、生命的象征对中国人有着极大的吸引力，是中华民族区域性色彩特征的代表，经常出现于中国绘画中。西藏纳木湖边扎西岛天然洞穴里发现的牧人在茂盛草原放牧内容的红色颜料岩画，是比较早期的单色红色绘画。在欣赏这些岩画时，人们没有因为色彩的单一而觉得内容空洞，反而这样炫彩的单色让人联想到牧人放牧时充满活力，兴高采烈的心情。此外，单色与墨的对比使用也是中国绘画用色中很普遍的一种手段，至今依然受推崇。
2 鲜明对比
在绘画中，艺术家会通过色彩的纯度、色相、冷暖、明度、补色等方面的对比形成鲜明强烈的视觉心理效应，进而激活人的视觉鲜明度，满足人的视觉需求。在诸多彩色对比中，色相对比最早出现在人类绘画中。赤、青、黄、白、黑作为中国传统的基原色，它们的色彩性格饱满而鲜明，这使得它们在色彩的长河中傲然矗立，备受推崇。当它们在同一时刻同一空间中对比出现时，其所表现出来的色彩效果挥洒着饱满的生命张力，令其它的色彩结构无法企及。而在绘画的色彩结构中，红色、黄色、蓝色，或红色、蓝色、绿色相对比是最基本的色相对比。实际上就是利用这些鲜明的单色，通过它们纯度、色相、冷暖、明度、补色等方面的对比调和，形成了一些稳定的、广泛的、被人们所认知的色彩结构。所以，在中国传统文化中流传着“紫多发恶红主新，黄色少了多主淡，绿色大了也不上新，上样三色均可用，唯有紫少画真新”之类的一些关于色彩搭配的说法。 其实，这种色彩的鲜明对比似乎在中国悠久的民间艺术中更为发放光彩。千百年来这些民间艺术家们大胆地将各种鲜亮色相对比运用到他们的艺术品去形象地表现其中所蕴含的意象之美。最具典型代表当属民间年画和民间彩塑。在西北地区，陕西年画中的门神最广为人知。其绘制粗犷、风格洒脱、豪爽、明快，并且着色上主要使用大红、桃红、黄、绿、黑五色。这样明亮的色彩运用形成了鲜明的视觉冲击，让人们迅速联想到威武的门神形象。彩塑中各种鲜亮色彩的对比使用同样让我们见到了活灵活现的形象。所以，色彩的鲜明强烈的对比能够更加生动地表现出各种意象。
3 空白无色
中国绘画中一大显著特点是“留白”。“留白”又称“空白”，雅称“余玉”，即留下一片空白，是中国画中笔墨色彩未涉及之处。“静故了群动，空故纳万境”，苏轼的这一句诗词从某种程度上可以理解为是中国绘画内容的真实描述。
中国古代道家和儒家哲学思想的影响深深地影响了中国绘画，留白作为一种艺术手段也出现在了中国绘画中。“留白”之处尽管并未着色，却也因画面中笔墨的规律变化增强了形式美，给欣赏者带来跌宕起伏的视觉效果。
盛行于两宋的水墨山水画中意境的塑造大多归功于空白无色。黑白两色基本主导了整个水墨山水画的用色。因为这一时期的绘画将色彩全包含在墨色中，形成了“墨分五色、用墨替色”的用色特征。这就要求画家在画面中要分布好虚实相生的画面，并运用黑白分布和墨色的变化来突显其中的实像与虚像。空白无色之处的虚像自有妙处可言。虽然不画水，不画云，可却留给了欣赏者无尽的想象，他们对所见画面进行意象的再造，根据自己的情感需求来着色，去满足所需的美感要求。所以，不着色处亦色彩斑斓。这里便让人想起了南宋著名画家马远的《寒江独钓图》。在画面中我们只见一叶孤舟上有一老翁俯身垂钓，再则周围也只有寥寥几笔微波，剩下部分几乎是空白无色。可即使如此，依然不妨碍我们从中感受到烟波浩淼，画面皆水，因为空白无色之处映衬了虚象与实象，留下了更多的想象余地。所以，空白无色也可以表现无尽的意象之美。
三 意象色彩在中国绘画中所展现出的审美价值
色彩作为传递意象的一种方式，能带给欣赏者最强的刺激力与感受力。所以，艺术家们会运用色彩的极致魅力将欣赏者吸引到画中来体味其中的意象之美。中国绘画中的意象色彩主要具有以下三方面的审美价值：
1 自然之美
对于色彩的恰当运用也是艺术家观察和感受大自然的万千事物所获得的一种心灵感悟。中国画色彩的意象美，是表现画家内心思想与感悟的一种手段，同时也是在客观地描绘着五彩斑斓的大千世界。这样的意象色彩原本就需要按照事物的本源为其着色，还原本色。所以，画中之绿树红花，青山碧水我们看似平淡无奇，毫无新意，可这就是自然最纯净的颜色，“虽为人工，宛若天成”，这样的功底是需要艺术家接触自然方可达到的。所以，意象色彩能体现了一种不折不扣的自然美。
2 意蕴之美
除了要表现事物最纯粹的自然美外，艺术家们也会在事物的本源之上寄情于景，去追求一种画面中的“象外之美”。所以，色彩的运用会在一定程度上附加艺术家的情感与思想，作为一种表达个人主观意识的手段，于是在这一过程中画中的色彩便被赋予了丰富饱满的意蕴之美，不再是单纯地展现客观事物，而是更多地流露出了当时作画之人的情感韵味。所以，这种色彩会在欣赏者的想象中随个人感情的波动而飞扬，随巧思而变幻进而造就了画面的高度概括性和启示性，体现了画中意味深长的意蕴之美。
3 超越之美
意象色彩中所体现的超越之美是无可非议的。中国绘画的一大特点在于画面的想象性。而绘画中所蕴含的“意象”会要求艺术家们在客观的基础之上充分地发挥主观的创造性，注重以情造景，将自然美转化为包涵着丰富意象美的意境，使得画面体现出画家的主观情感与个性思想。所以，色彩的运用已经超越了从客观的需要升华到一个主观的层面上，色彩因为要表达意象而充满了活力。所以色彩的客观运用体现了一种自然之美，而色彩的超越之美更加彰显了人情化。
结语
意象色彩的运用是将艺术家的内在情感与外在事物相融合，进而突显了画中的意象之美。中国绘画中的这种色彩观是在中国特有的文化背景中孕育而生的，并在其漫长的进程中不断发展完善起来的色彩系统。所以，面对当今日益丰富多彩的现实生活时，中国的艺术们应该进一步明确意象色彩的价值，并不断地为中国画色彩的意象性表达注入无穷无尽的新生命力。色墨并重、随情赋色应当是中国绘画所遵从、延续和探索的色彩之路。
参考文献：
[1] 韩敬伟、傅晓冬：《中国画的意与色》，辽宁美术出版社，2002年版。
[2] 陈传席：《中国绘画美学史》，人民美术出版社，2002年版。
[3] 王文娟：《中国画色彩的美学探渊》，中央编译出版社，2006年版。
[4] 王树村：《中国年画发展史》，天津人民美术出版社，2005年版。
[5] 刘源：《中国画色彩艺术》，西南师范大学出版社，1999年版。
[6] 王世贞：《艺苑卮言》，中国古典艺术出版社，1957年版。
[7] 严红彦：《“镜喻”文化与“水月镜花”诗论》，《学术论坛》，2012年第2期。
[8] 陈传席：《六朝画论研究》，天津人民美术出版社，2006年版。
作者简介：封顺，男，1982—，陕西西安人，本科，助教，研究方向：中国画，工作单位：陕西学前师范学院。
关键词：中国绘画 意象色彩 表现形式 审美价值
中图分类号：J222 文献标识码：A
引言
想要真正理解意象色彩，关键在于理解“意象”的内涵。“意象”其实最早源于《周易》中的“观物取象，立象以尽意”之说。后来各种艺术形式将其借用，并把原来“卦象”引申为具体物象。简单说来，意象，即寓“意”之“象”，寓情于景，是用来寄托主观情感的客观物象。内容上它容纳了人类对自然界的审视精神与思维方法，因而它是中国古典美学的核心概念。可以说，塑造和突显画面中的意象是中国绘画形式最本质的要求。不管中国绘画技术如何不断改善，还是人们的审美心理如何变化，中国绘画自始至终都没有偏离“意象”轨道。于是，这种绘画的意象性也就决定了中国绘画色彩的意象性。因为绘画中所蕴含的“意象”会要求艺术家们充分发挥主观的创造性，注重以情造景，将自然美转化为包涵着丰富意象美的意境，使得画面之内能够体现出画家的主观情感与个性思想。而绘画中最具情感因素的当属色彩，所以这种意象的表达主要通过画家灵活运用色彩来展现出来。例如，大自然的四季变迁以及人类的喜怒哀乐等都可以运用色彩来展露出鲜明的意象。实际上是画家的内心情感赋予了色彩鲜活的生命力，将色彩融进了万千意象之中。从中国色彩艺术的进程中来看：不论是古人岩画上单纯而古朴的色彩还是秦俑汉画用色的壮丽雄浑；不论是金碧辉煌的唐代壁画，或是简约纯朴的两宋水墨，这些用色中其实都流露着中国绘画色彩中的意象之美。所以，中国绘画中的意象色彩中所蕴藏的价值值得我们对它进行探讨研究。
一 中国绘画意象色彩的形成过程
王维说：“画道之中，水墨为上。”从王维的话中我们可以获知，其实大多数画论都在讲水与墨的关系，正所谓“谓画以水墨而成，能肇自然之性，黑为阴，白为阳：阴阳交构，自成造化之功”，而关于中国画色彩问题的论述却涉及不多。直至清代王显提出：“色不碍墨，墨不碍色；又需色中有墨，墨中有色。”这才明确指出了墨与色的关系，而在此之前，传统中国绘画主要还是以水墨为主，色彩为辅。但如果系统地谈论中国绘画色彩理论，那么必然要说起南朝齐梁肖像画家、理论家谢赫的“随类赋彩”。在《古画品录》中他提出了“气韵生动，骨法用笔，应物象形，随类赋彩，经营位置，传移模写”，后人称之为“六法论”。其中谢赫将“气韵生动”推为六法之首，充分证明了“意象”在绘画中的核心地位；而“随类赋彩”，即根据客观物象的颜色施以不同类别的色彩，基本上是“写实”，所以“六法论”对中国绘画意象性色彩影响极大。随后，隋代展子虔的《游春图》开启了中国山水画的设色方式：水为绿云为白，树草设绿，山石染储。而到了唐代，中国绘画的意象性色彩进入了新的阶段：不仅兼顾色度和色相，还关心色泽，并将色泽作为重要的思考要素。到了五代两宋，唐代灿烂至极的色彩开始让位给清新简约的水墨和白描，此时期的绘画将色彩全包含在墨色中，形成了墨分五色、用墨替色的主流特征。绘画发展至元、明、清，山水画和水墨写意花鸟画，有很大发展，采用笔墨的方法各有不同（包括皴擦点染用笔的快慢、轻重、正锋和侧锋，用墨的浓淡、干湿等），并追求个性鲜明的笔墨风格和画面的效果，寓“美的理想”于其中，推动了中国绘画意象色彩的进一步发展。
通过以上描述，我们可以得出：随着各个时代绘画技巧的不断提高以及人们审美心理的变化，传统中国绘画的色彩面貌极为丰富多彩，呈现出不同的倾向：从带有古代哲学韵味的“五色”观到有具体标准的“随类赋彩”再到更加注重细节的“墨分五色”最终形成了中国绘画中独特的意象性色彩。
二 中国绘画中意象色彩的主要表现方式
绘画中的意象可以通过很多手段表现出来，但要想用色彩来传递绘画中的万千意象，那么用色上就得要“单纯明快”“鲜明对比”以及“空白无色”。通过这三个主要手段可以更加具体地阐释中国绘画的意象性。
1 单纯明快
“单纯明快”这里是指绘画中单色相布局的特点。这种布局是将一种单色相与墨的浓淡相结合而形成的。为了在单纯中求丰富的视觉效果，中国绘画色彩的设色一般是以单色平涂为主，采用单色平涂、固有色和晕染相结合的做法。这种做法是在相对简单的色相之中穿插适当色彩对比，营造多样视觉氛围，这造就了中国绘画色彩简单却不失内容，古典而优雅的艺术风格。
在中国早期绘画中，一些非常典雅的壁画在上色时多为矿物质色，相对用色纯度较高，覆盖力较强，有些墨色甚至可以被覆盖，但依然创造出了不错的视觉效果，留给后世借鉴。实际上民间艺术也擅用高纯度的色彩来表达意象。这种色彩可以创作出鲜活明快的画面。例如，剪纸艺术，剪纸中的门笺、墙花、顶棚花、灯花等大多采用单一的红、绿、黄、蓝等鲜艳的色彩，以衬托出浓厚喜庆的节日气氛。
作为一种广受欢迎的单色，红色作为欢乐、热情、生命的象征对中国人有着极大的吸引力，是中华民族区域性色彩特征的代表，经常出现于中国绘画中。西藏纳木湖边扎西岛天然洞穴里发现的牧人在茂盛草原放牧内容的红色颜料岩画，是比较早期的单色红色绘画。在欣赏这些岩画时，人们没有因为色彩的单一而觉得内容空洞，反而这样炫彩的单色让人联想到牧人放牧时充满活力，兴高采烈的心情。此外，单色与墨的对比使用也是中国绘画用色中很普遍的一种手段，至今依然受推崇。
2 鲜明对比
在绘画中，艺术家会通过色彩的纯度、色相、冷暖、明度、补色等方面的对比形成鲜明强烈的视觉心理效应，进而激活人的视觉鲜明度，满足人的视觉需求。在诸多彩色对比中，色相对比最早出现在人类绘画中。赤、青、黄、白、黑作为中国传统的基原色，它们的色彩性格饱满而鲜明，这使得它们在色彩的长河中傲然矗立，备受推崇。当它们在同一时刻同一空间中对比出现时，其所表现出来的色彩效果挥洒着饱满的生命张力，令其它的色彩结构无法企及。而在绘画的色彩结构中，红色、黄色、蓝色，或红色、蓝色、绿色相对比是最基本的色相对比。实际上就是利用这些鲜明的单色，通过它们纯度、色相、冷暖、明度、补色等方面的对比调和，形成了一些稳定的、广泛的、被人们所认知的色彩结构。所以，在中国传统文化中流传着“紫多发恶红主新，黄色少了多主淡，绿色大了也不上新，上样三色均可用，唯有紫少画真新”之类的一些关于色彩搭配的说法。 其实，这种色彩的鲜明对比似乎在中国悠久的民间艺术中更为发放光彩。千百年来这些民间艺术家们大胆地将各种鲜亮色相对比运用到他们的艺术品去形象地表现其中所蕴含的意象之美。最具典型代表当属民间年画和民间彩塑。在西北地区，陕西年画中的门神最广为人知。其绘制粗犷、风格洒脱、豪爽、明快，并且着色上主要使用大红、桃红、黄、绿、黑五色。这样明亮的色彩运用形成了鲜明的视觉冲击，让人们迅速联想到威武的门神形象。彩塑中各种鲜亮色彩的对比使用同样让我们见到了活灵活现的形象。所以，色彩的鲜明强烈的对比能够更加生动地表现出各种意象。
3 空白无色
中国绘画中一大显著特点是“留白”。“留白”又称“空白”，雅称“余玉”，即留下一片空白，是中国画中笔墨色彩未涉及之处。“静故了群动，空故纳万境”，苏轼的这一句诗词从某种程度上可以理解为是中国绘画内容的真实描述。
中国古代道家和儒家哲学思想的影响深深地影响了中国绘画，留白作为一种艺术手段也出现在了中国绘画中。“留白”之处尽管并未着色，却也因画面中笔墨的规律变化增强了形式美，给欣赏者带来跌宕起伏的视觉效果。
盛行于两宋的水墨山水画中意境的塑造大多归功于空白无色。黑白两色基本主导了整个水墨山水画的用色。因为这一时期的绘画将色彩全包含在墨色中，形成了“墨分五色、用墨替色”的用色特征。这就要求画家在画面中要分布好虚实相生的画面，并运用黑白分布和墨色的变化来突显其中的实像与虚像。空白无色之处的虚像自有妙处可言。虽然不画水，不画云，可却留给了欣赏者无尽的想象，他们对所见画面进行意象的再造，根据自己的情感需求来着色，去满足所需的美感要求。所以，不着色处亦色彩斑斓。这里便让人想起了南宋著名画家马远的《寒江独钓图》。在画面中我们只见一叶孤舟上有一老翁俯身垂钓，再则周围也只有寥寥几笔微波，剩下部分几乎是空白无色。可即使如此，依然不妨碍我们从中感受到烟波浩淼，画面皆水，因为空白无色之处映衬了虚象与实象，留下了更多的想象余地。所以，空白无色也可以表现无尽的意象之美。
三 意象色彩在中国绘画中所展现出的审美价值
色彩作为传递意象的一种方式，能带给欣赏者最强的刺激力与感受力。所以，艺术家们会运用色彩的极致魅力将欣赏者吸引到画中来体味其中的意象之美。中国绘画中的意象色彩主要具有以下三方面的审美价值：
1 自然之美
对于色彩的恰当运用也是艺术家观察和感受大自然的万千事物所获得的一种心灵感悟。中国画色彩的意象美，是表现画家内心思想与感悟的一种手段，同时也是在客观地描绘着五彩斑斓的大千世界。这样的意象色彩原本就需要按照事物的本源为其着色，还原本色。所以，画中之绿树红花，青山碧水我们看似平淡无奇，毫无新意，可这就是自然最纯净的颜色，“虽为人工，宛若天成”，这样的功底是需要艺术家接触自然方可达到的。所以，意象色彩能体现了一种不折不扣的自然美。
2 意蕴之美
除了要表现事物最纯粹的自然美外，艺术家们也会在事物的本源之上寄情于景，去追求一种画面中的“象外之美”。所以，色彩的运用会在一定程度上附加艺术家的情感与思想，作为一种表达个人主观意识的手段，于是在这一过程中画中的色彩便被赋予了丰富饱满的意蕴之美，不再是单纯地展现客观事物，而是更多地流露出了当时作画之人的情感韵味。所以，这种色彩会在欣赏者的想象中随个人感情的波动而飞扬，随巧思而变幻进而造就了画面的高度概括性和启示性，体现了画中意味深长的意蕴之美。
3 超越之美
意象色彩中所体现的超越之美是无可非议的。中国绘画的一大特点在于画面的想象性。而绘画中所蕴含的“意象”会要求艺术家们在客观的基础之上充分地发挥主观的创造性，注重以情造景，将自然美转化为包涵着丰富意象美的意境，使得画面体现出画家的主观情感与个性思想。所以，色彩的运用已经超越了从客观的需要升华到一个主观的层面上，色彩因为要表达意象而充满了活力。所以色彩的客观运用体现了一种自然之美，而色彩的超越之美更加彰显了人情化。
结语
意象色彩的运用是将艺术家的内在情感与外在事物相融合，进而突显了画中的意象之美。中国绘画中的这种色彩观是在中国特有的文化背景中孕育而生的，并在其漫长的进程中不断发展完善起来的色彩系统。所以，面对当今日益丰富多彩的现实生活时，中国的艺术们应该进一步明确意象色彩的价值，并不断地为中国画色彩的意象性表达注入无穷无尽的新生命力。色墨并重、随情赋色应当是中国绘画所遵从、延续和探索的色彩之路。
参考文献：
[1] 韩敬伟、傅晓冬：《中国画的意与色》，辽宁美术出版社，2002年版。
[2] 陈传席：《中国绘画美学史》，人民美术出版社，2002年版。
[3] 王文娟：《中国画色彩的美学探渊》，中央编译出版社，2006年版。
[4] 王树村：《中国年画发展史》，天津人民美术出版社，2005年版。
[5] 刘源：《中国画色彩艺术》，西南师范大学出版社，1999年版。
[6] 王世贞：《艺苑卮言》，中国古典艺术出版社，1957年版。
[7] 严红彦：《“镜喻”文化与“水月镜花”诗论》，《学术论坛》，2012年第2期。
[8] 陈传席：《六朝画论研究》，天津人民美术出版社，2006年版。
作者简介：封顺，男，1982—，陕西西安人，本科，助教，研究方向：中国画，工作单位：陕西学前师范学院。